Open City, Lee Sang-gi, 2008

Eté 2008. A l’heure de la France sarkozyste, de notre société franchouillarde de comptoir aux relents xénophobes latents à la Pernaut/Bardot et de notre système quasi-ultra-sécuritaire... 

A l’heure où la parano nous enferme à double tour, que la crise des « subprimes » sévit, que les rangs du FN grossissent et que les entreprises dégraissent… 

Oui à cette heure-ci, où les corps gisent au quatre coin du monde, que la famine est présente sur les cinq continents et que The Wire, meilleure série de tous les temps connait sa ponctuation (elle résume, à elle seule le monde tel qu’il tourne, tel que nous tournons « time after time »). A l’heure où…

La peur du moment était toute trouvée. Elle était là à m’envahir alors que les reportages de TFOne et MSixe s’immisçaient en moi de façons insidieuses. J’avais besoin de parler, de me confier et d’expier mes pensées vigilantes. Sans Congo ne voulait plus entendre parler de moi depuis un cadeau que je lui avais offert. Joy Means Sick était sur répondeur à teufer au Pacha Club sur ses semelles compensées. J’étais esseulé, le cinéma pour seul confort. Je partais à la recherche d’un film me permettant d’esquiver et ainsi me protéger des pickpockets ! Le mal du moment. Ils étaient partout sur la capitale et sa banlieue. On les disait également en province mais n’ayant jamais quitté l’Île-de-France de ma vie, je ne pouvais affirmer cette information. Les principaux fautifs au désordre ? Les Roms ! 500 000 individus d’après mes sources (Brice H. et Eric B.). 500 000 chances de plus de se faire dépouiller de ses biens en allant travailler ou promener. Mon sang se glaçait. Mes poils s’irisaient. Et les doigts tapotaient sur mon clavier pour enfin s’arrêter sur… Open City ! Il était de 2007 et surfe donc sur la vague de l’actualité française. Certes, le film est sud-coréen mais qu’importe ! Au fond de moi, je savais. Je savais qu’il jouerait son rôle, celui de l’apprentissage. Qui plus est, son titre était des plus évocateurs : « Ville ouverte » (pas Rome, hein ?), ouverte aux délinquants à la petite semaine. Oh ben mince alors ! En plus, il y avait Son Ye-jin et excusez du peu mais Son Ye-jin est super bonne. The Classic, A Moment to Remember, April Snow,… autant de films qui par sa présence m’ont fait tourner la tête. Autant de films qui m’ont permis de lui offrir quelques-unes de mes branlettes. Le topo est là, ça fait : Séoul, ville ouverte voit s’affronter plusieurs gangs de pickpockets. La police compte bien en finir avec eux à l’image de l’inspecteur Cho (Kim Myeong-min) qui ne recule devant rien, encore moins devant sa mère (Kim Hae-sook) qui vient de sortir de prison. Il traque bientôt une délicieuse jeune femme (la p’tite Ye-jin) qui tatoue des tatouages… stylé.

Et puis je débande. Est-ce que son intro, ses quelques scènes d’actions et le jeu juste de Kim Hae-sook sauvent-ils Open City du naufrage ? « Not really » pour faire le british pédant… Pourtant, Open City commençait bien. Cette séquence d’affrontement entre policiers et malfrats… elle m’a fait saliver. Ensuite le film n’a rien de bien surprenant et d’original (comme 95% de la production annuelle, me direz-vous et je ne vous écoute pas). Peu importe. Si ce n’est de donner la part belle au métier de pickpocket, plutôt rare au cinéma, vous en conviendrez. C’est ce bon point qui me l’a fait choisir. Je voulais voir des pickpockets œuvrés avec brio. Je voulais apprendre leurs combines pour me défendre dans la rue. Mais au lieu de nous les montrer en action, de développer les techniques de « fauche », d’offrir des instants captivants digne de ce nom à ces détrousseurs, le réalisateur se perd dans les clichés du thriller à romance. Si cela est bien fait, pourquoi pas. Surtout si l’intrigue tient la route. Problème. Le film s’enlise dans une intrigue principale sans intérêt et qui ennuie le plus souvent. Et sachant qu’il dure plus de deux heures, les choses sont dures à encaisser. On prend conscience que le film est miné par des séquences pas franchement nécessaires au bon déroulement de l’histoire. De plus, la grande majorité du temps les personnages parlent pour ne rien dire. N’est pas Quentin Tarantino qui veut. Les répliques tournent à vide. Est-ce que l’essence même des dialogues n’est pas faite de manière à faire avancer le récit ? Pas d’après la définition qu’en a Lee Sang-gi (rappelons qu’il est également le scénariste, une casquette dont il aurait pu se passer au vu du résultat). Un faux-rythme s’installe alors. Et toute forme de suspense s’évapore à mesure que le film avance, parce mal exploité à l’image de cette équipe de pickpockets.

Que fait Lee Sang-gi  de cette équipe qui donnait à voir ? Il ne l’exploite jamais. Il n’approfondi aucun de ces personnages secondaires. Pas une fois, il ne les fait « briller » à l’écran alors qu’il avait tout pour le faire. Non ce qu’il préfère c’est le rapport de force d’une mère et d’un fils que tout oppose. Tant pis pour le métier de pickpocket, tant pis pour les seconds couteaux et tant mieux parce que le sujet semble intéressant. Imaginez le fils, policier qui retrouve sa mère, pickpocket, et vice versa. Elle est libérée de prison depuis peu. Et vas-y qu’elle l’aime toujours. C’est bien normal puisque c’est son fiston. Mais vas-y que lui, il n’a pas pardonné les écarts de sa mère avec la loi. L’amorce donne à voir. Résultat des courses ? Le réalisateur plombe son récit avec une grosse louche mélodramatique qui fatigue. Il nous vomit un trop plein de bons et mauvais sentiments dégoulinants. Il force ce trait lacrymal dans une surenchère… maman, ce que c’est lourd. Voilà l’une des sous-intrigues pleines de pathos qui tourne au ridicule. L’antithèse que forment le fils et la mère aurait pu offrir un tableau pathétique de la situation, couple sujet/opposant. Mais le cinéaste s’y prend comme un tâcheron qui aplanirait le plâtre avec la taloche alors qu’un vrai maçon userait avec doigté de sa truelle. Ce qui en devient pathétique, c’est cette relation justement. Il passe à côté de son sujet. A la limite, il aurait traité l’ensemble avec un second degré, il aurait réussi son pari. Mais c’est au premier degré que l’auteur n’est pas capable de laisser vivre ses personnages à l’écran. C’est avec ce même premier degré qu’il n’est pas capable d’avoir une forme de retenue dans cette façon de communique la dimension psychologique de ses personnages. Lee Sang-gi torche l’environnement qu’il dépeint (les pickpockets) et fait le choix, non dénuer d’intérêt de s’arrêter sur les retrouvailles d’une mère et d’un fils. Malheureusement, il ne sait l’exploiter. Quand est-ce que les cinéastes comprendront qu’il n’y a pas besoin de musique pour communiquer un sentiment ? Qu’il n’y a pas besoin de bla-bla superflu ? Qu’il n’y a pas de peur à avoir du silence ? Qu’on n’a pas besoin de faire poser ses acteurs pour laisser transparaitre des états-d’âmes ? Le constat est celui-ci : le scénario n’a rien à raconter. 

Particulièrement parce que le scénario est d’un bateau pathétique. Arrêtons-nous sur la romance. L’intrigue principale. Ce pour quoi le film existe, nous raconter ce jeu du gendarme et du voleur, entre un flic « beau gosse » et une voleuse sexy. Voir ce flic et cette voleuse se tourner autour alors qu’il pourrait lui passer les bracelets dès le début. Désolé (je ne le suis même pas) ! Ce n’est pas crédible. On nous justifie donc tout le film sur cette pseudo-romance de pacotille ? La crédibilité de l’entreprise en prend un coup. On veut nous raconter un thriller avec un couple à l’écran dont devrait découler une aura érotique mais d’emblée, l’histoire est faussée parce que basée sur du vent. Au menu : opposition des fonctions, manipulations, jeu de l’interdit. Autant se refaire un Basic Instinct parce qu’ici, l’ensemble reste incroyablement chaste et froid. Lee Sang-gi voulait nous raconter une histoire d’amour interdite. Il fallait pour se faire inventer une histoire crédible si l’on traite son sujet de façon sérieuse. Il y a des choses au cinéma qui ne passent pas. Et généralement, les facilités scénaristiques en font partie. D’ailleurs, cette remise en cause scénaristique me pousse à remettre en cause le duo d’acteurs principaux. Ils souffrent de camper des personnages qui ne sont pas captivants et qui sont vus et revus. On les croirait échappés d’une autre production similaire, c’est bien dommage. Et puis sans être méchant, Kim Myeong-min est une huitre. Ce faciès… Sa prestation est réellement décevante voire risible. Quant à Son Ye-jin, il est vrai qu’elle est jolie et bien plus encore. Elle porte merveilleusement le rouge, le blanc ou bien le noir mais après ? On assiste plus à un défilé de couturier que d’un film avec une intrigue. Quant au dénouement d’Open City ? Je préfère m’arrêter ici. J’éviterai ainsi de vous parler de ce énième flash-back de fin de film qui ne sert strictement à rien avec ses révélations qui n’apportent rien et un twist… no comment. J’ai envie de pleurer, un peu comme Kim Myeong-min dans le générique final, tiens. Prenez le SPOILE en pleine tronche ! Ouais, Kim Myeong-min chiale comme une gamine. De toute façon, c’est devenu monnaie courante dans ce genre de prod’ bien fade. Bon allez, concluons.

En 1/ (parce que je retranscris une déception) Le personnage interprété par Kim Hae-sook aurait mérité un tout autre traitement. Un personnage (actrice) qui aurait mérité un film à lui (elle) tout(e) seul(e), intéressant dramatiquement parlant. Par malheur, ce n’est pas elle qui est au cœur du récit mais son fils de flic (ou flic de fils ?), lisse comme Kim Ah-joong après ses opérations de chirurgie esthétique et bidon comme son enquête qui n’en est pas vraiment une. Une investigation à l’image des rivalités entre pickpockets qui vaut « peanuts ». 

En 2/ (parce que bon quand même quoi) Aussi étonnant que cela puisse paraitre, la mise en scène d’Open City n’est pas à remettre en cause. Elle n’est pas à blâmer puisque l’auteur parvient à offrir une réalisation qui a du style (toute proportion gardée parce qu’il y a beaucoup d’effets – de style justement – dont il aurait pu se passer). Elle fonctionne plutôt bien dans les scènes d’actions que certains trouveront peu nombreuse notamment à côté de la profusion de parlote poussive, encore et toujours. Alors si vous n’êtes pas allergique à l’aspect clipesque, ça devrait aller. On regrettera tout de même qu’il ne la filme pas cette « ville ouverte ». Il enferme ses personnages dans un cadre qui ne fait jamais écho au titre du film. Du coup, ça manque d’ampleur mais ce n’est pas fâcheux. On notera le respect du cahier des charges : il y a une scène de pluie ! 

Et en 3/ (parce qu’il faut finir) Open City de Lee Sang-gi vaut juste pour ses quelques scènes d’action, rien d’autre. Il ne vaut même pas pour les robes saillantes et sexy de Son Ye-jin… enfin… un peu quand même. 

En bonus : le frangin de JMS nous réalise une cace-dédi pour la donzelle Son Ye-jin :

Bon ! L’urgence de la situation veut qu’un constat s’impose. Open City ne m’apprendra rien sur les Roms et les pickpockets, la loose. Pourtant, cette déroute ne m’empêchera pas de continuer mon apprentissage de la vie et de ses dangers. Coûte que coûte, je persévérerai sur cette voie et je compte sur vous pour m’y aider ! Coréenement votre… 

PS : Autre que les battes de base-ball, couteaux, matraque télescopique, barre de fer,… des outils de choix ont été répertoriés : lame de rasoir, cloueur autonome, raquette de tennis et bâton de tatouage. Sur ce, je vous bise la fesse gauche. 

I.D.

Love Fiction, Jeon Kye-soo, 2012

Attendre Godot ou mourir, enchaîner deux comédies sud-coréennes en une aprem, il y a des jours où le destin porte le masque du défi roublard et absurde. Tout étourdi des litres de lol potache qui ont infusé dans la prunelle de ses yeux des heures durant, Joy Means Sick voyait la vie en rose. Oubliée la rudesse norvégienne, il voulait partager, il voulait aimer. Très vite, il attrapa son blackberry chromé or – toujours frappé de l’écusson d’Arsenal – et se mit en quête du numéro de téléphone de la responsable des accreds sur lespagesjaunes.fr, en vain. Déçu, mais pas abattu, il se creusa la cervelle et comme à l'haitude, l'idée jaillit en un clin d'oeil : son ami Sans Congo avait autrefois fait un stage à la Direction centrale du renseignement intérieur. Il lui expliqua qu’il cherchait ce numéro de portable : « tu peux pas demander à ton ancien maître de stage, tu sais, le sous-directeur des écoutes téléphoniques ? » Sans Congo accepta de s’exécuter contre juste rétribution – quelques milliers d’euros – en grommelant quelque chose comme : « tu fais quand même chier, « la responsable des accreds », t’as pas plus vague comme terme ? j’ai à peu près 2 300 entrées à ce nom ».

Joy Means Sick n’en démordait pas, il voulait coûte que coûte remercier la charmante jeune femme et s'excuser de l'avoir vexée avec un paragraphe maladroit. Ô combien il regrettait désormais, cloué qu'il était sur l'autel des remords où chaque jour ce même aigle viendrait lui dévorait le foie ! Inspiré par Love Fiction, il lui avait même écrit un poème, mais la raison l'emporta et il décida plutôt de lui raconter ce qu’il avait pensé du film. "Après tout, c'est pour ça qu'on m'a invité". Il se lança donc, pour la bagatelle de 15 centimes d’euros par destinataires (2 392 exactement), dans la rédaction du plus long texto du monde, en espérant faire vibrer le portable de sa nouvelle amie :  

"Joo-wol est un artiste, la mise en abîme de l’auteur et typiquement le genre de personnage qu’on n’a pas envie d’aimer. Un écrivain qui refuse d’écrire un feuilleton dans le torchon de journal à scandale de son pote éditeur, un mec qui a des principes, mais pas d’inspiration et qui traine depuis deux ans un bouquin qui n’avance pas. Un type mal dans sa peau, qui vient de se faire larguer et qui, comme tout artiste maudit qui se respecte, à des problèmes avec la gente féminine. Généralement tout ça nous donne un cocktail qui fleure bon le nombrilisme et la complaisance dans la médiocrité (au hasard, le cinéma d’Hong Sang-soo). Sauf que là, Joo-wol est joué par le chouchou de Na Hong-jin, à savoir Ha Jung-woo, et qu’on n’est pas prêt de le retrouver dans un café pourave à parler psychologie avec une étudiante en lettres. Nope, lui, quand il n’est écrit pas, il est barman dans un rade pour rockers avec cuir et piquants et pour lui remonter le moral son pote lui propose un nouvel arrivage de porno, « pas du japonais, un truc hardcore, nord-coréen ». Autant vous dire que ça part bien, avec même quelques passages fictifs qui ne sont pas sans rappeler les divagations scénaristiques de Jun Ji-hyun dans Windstruck. Il cherche à écrire un roman qui s’appelle Femme Fatale, on voit directement les situations qu’il s’imagine (avec ou sans voix-off) et les personnages finissent par se foutre de sa gueule et de son manque d’imagination.

Face à lui, Hee-jin, une meuf qui gagne sa vie en important des films et dont il tombe amoureux lors d’une soirée showbiz en Allemagne. Dès son retour sur sa terre natale il la drague façon le Miel et les Abeilles, lui écrit une lettre passionnée (« Chateaubriand ou rien ») qu’elle fait tourner à tout ses collègues tant ça la fait marrer - ah bienheureux arriéré qui n’a pas envoyé de mail, elle l’aurait transféré à la terre entière. En tout cas elle finit quand même par l'oublier dans un coin de son bureau. Sans réponse, lui n’a évidemment plus goût à la vie, refuse de manger ses chocapics et se repasse en boucle le CD de James Blunt en consultant son téléphone toutes les deux minutes. Moment de blues sympatoche que le montage en accéléré évacue presto : elle l’appelle. Tant que les deux batifolent, le film tient la route qu’il semble s’être fixé, un truc léger plein de bonne humeur qui fait appelle à tout ce qui lui passe sous la main pour enrichir son récit : voix off, musique, mise en abîme, confident imaginaire, texte qui défile sur l’écran, split-screens… On découvre le personnage de Hee-jin, les 98 points que notre écrivain note sur elle et surtout les deux éléments importants qui la caractérisent : elle chérie une passion pas si secrète pour la photographie et – vanne récurrente dans le film – ne se rase pas les bras. A part ce dernier détail, qui choque notre bonhomme avant de l’inspirer, c’est presque la fille parfaite : elle ne veut pas s’engager, elle ne force pas à bouffer de la viande et ne le juge pas même quand il se ridiculise avec des envolées lyriques qui témoignent du même excès de générosité que les comédies coréennes. Elle s’entend d’ailleurs plutôt bien avec ses potes – qui sont de gros balourds – c’est dire si elle est chouette. Chose suffisamment rare pour être soulignée, le film commence par une idylle qui se construit sans trop de difficultés et le mieux dans tout ça, c’est qu’elle dure. Joo-wol a trouvé sa muse et se lance dans le roman feuilleton autrefois honni, il s’inspire évidemment de sa vie réelle mais la transforme en polar aux allures de téléfilm oldschool mal joué. Ca marche bien et nous on suit ça avec un léger sourire aux lèvres en se disant bien que ça ne va pas durer, parce que « les gens heureux n’ont pas d’histoire ».

Malheureusement, pas de surprise à ce niveau là. Au bout de 8 mois notre pépère commence à se poser des questions. Les poils sous les bras (apparemment un truc qu’elle a hérité de son séjour en Alaska), ça l’inspire mais ça le travaille et monsieur commence à voir le verre à moitié vide plutôt qu’à moitié plein. S’ajoute à ça quelques  belles grosses gouttes d’eau qui viennent remplir le vase, par exemple lorsqu’au milieu d’une soirée elle remporte un franc succès en racontant le jour où elle s’est littéralement chiée dessus, et avec moultes détails et exagérations qui font autant marrer les potes de Joo-wol que les gens dans la salle. Pourtant la réponse aux questions qu’il se pose, elle l’a : il croit que l’amour s’est facile, alors il ne le protège pas et se lasse. Ou bien est-ce ses amis qu’ils l’ont ? Comme Nastassia Filipovna chez Dostoievski, il serait un être livresque, trop nourri de romances exaltées et qui ne sait pas vivre sobrement ? En tout cas on est sur le point de basculer à nouveau sur les terres d’Hong Sang-soo et si cela ne se passait pas via un bus scolaire on y aurait sauté à pieds joints. Explication (et SPOILER) : suite à une séance de question-réponse avec les fans de son roman feuilleton, il tombe sur un type qui a connu une fille au lycée qui présentait la même particularité capillaire sous les aisselles. Au fil de la discussion, on comprend qu’il s’agit de Hee-jin et qu’elle était surtout célèbre dans le lycée pour ses séances photos de nus masculins et les faveurs qu’elle accordait en retour à ses nombreux modèles, d’où son surnom très imagé de « bus scolaire ». Voilà le propre d’une comédie coréenne, elle peut basculer dans le glauque sans prévenir. Rappelez-vous Sex is Zero et (SPOILER) l’avortement qui ponctue l’insouciance lycéenne.

Dans Love Fiction point de moral de bon père de famille, mais une mélasse d’apitoiement et de dépression, un truc gris, qui dure, qui dure et où même les passages de fiction dans la fiction illustrant à coup d’enquête policière les déboires amoureux de nos personnages en deviennent longs et rébarbatifs. Le problème ce n’est pas que les gens heureux n’ont pas des histoires, ça aurait été intéressant de voir un film qui ne passe pas par la case malheur et qui s’efforce de tenir une note joyeuse sur 1h30, non le problème c’est que les histoires des gens qui se lamentent quand ils n’ont pas de raisons d’être malheureux nous les brise sévère. Dans La Ballade de l’Impossible de Haruki Murakami, le personnage de Watanabe s’entend dire qu’il n’y a rien de plus dégoûtant qu’un homme qui se plaint. « I second that ». Alors heureusement que ça finit sur un clip plein de bonne humeur et d’amateurisme (avec un superbe rap de Ha Jung-woo) et que l’épilogue est expédié au rythme des couplets d’une chanson sur l’Alaska et les filles qui ne se rasent pas les bras."

So sorry... JMS

En bonus, quelques pensées sur les points communs entre les deux premières comédies de l’édition 2012 du FFCP :

- la démocratisation du porno : une vanne là-dessus dans la première demi-heure à chaque fois, un peu gênant quand les personnages ont plus de 25 piges.

- les split-screens : qui sont un bel exemple de mise en scène décomplexée et légère avec comme point de mire l’efficacité et le divertissement

- les relations homme-femme : monsieur est là  pour divertir madame, souvent en se rendant ridicule, c’est un hédoniste en marge, original ou artiste, alors qu’elle est une femme forte et responsable

- le suremploi de la musique : bande-son hyper chargée où les instruments surlignent les sentiments. Beaucoup de passages « clip » aussi qui permettent d’accélérer le récit.

- les acteurs qui cabotinent : le public est là pour ça et ils ne font pas les crevards. Et que je t’imite l’éléphant, et que je me lance dans une déclaration d’amour enflammée et imbibée d’alcool.

Et sûrement plein d’autres qu’on vous invite à ajouter en commentaires.

Late Autumn, Kim Tae-yong, 2011

Dimanche 16 octobre 2011, 21h20, Rue Saint André des Arts, Cinéma Saint André des Arts, Paris.

Timing ric-rac, j'arrive sur place 1 minute avant la séance, y a une queue de bâtard devant le cinéma et c'est bien la première fois dans ma vie que ce genre de phénomène me fait plaisir. Le FFCF 2011 se porte bien, tant mieux pour lui. Moi j'ai la crève.

J'entre dans la salle dans les derniers, y a encore la queue, pour les toilettes cette fois. Que des meufs, mais bon je dis ça comme ça. De mon côté je cherche un coin pour mourir et évite soigneusement de m'assoir à côté de quelqu'un que je pourrai trouver sympathique : je vais pourrir la séance à mes voisins, c'est évident, alors bien choisir ses victimes. Avec un peu de chance je pourrai même refiler ma maladie, mais bon voilà, je suis pas si méchant, j'ai trouvé une place sur le côté, un peu isolé, je m'installe et sort le carnet.

Je commence direct à noter des trucs, de toute manière je ne peux pas parler. J'ai repéré quelques têtes connues mais j'ai pas envie de montrer la mienne, cette année c'est Sans Congo l'ambassadeur, pour moi 2011 ce sera l'année du furet : pour les cocktails à vingt euros faudra attendre un peu les gars ; en ce moment le truc le plus funky que je puisse faire c'est me taper un grog. Chiottes mec.

Pierre présente le film. Kim Tae-yong était l'un des deux réals de  Memento Mori, le film est un remake, comme les deux autres versions présentées ce même jour. Pierre demande s'il y a des courageux qui se sont fait le marathon Late Autumn. Une main se lève, chapeau. Petit détail croustillant, si la version originale de 1966 jouit d'une bonne réputation, il n'en existe aujourd'hui plus une seule copie... sauf peut-être dans la réserve perso de Kim Jong-il !

Les bandes annonces, preuves un peu emmerdantes de la nouvelle ampleur du FFCF, un mal pour un bien. La salle est pleine en tout cas. En ce moment, parmi la petite communauté des bloggers du festival, on dirait bien que Late Autumn ne laisse pas indifférent. Pour ou contre donc, et généralement, quand on est pour, on est contre Hello Ghost. Et vice-versa. Va falloir choisir son camp, ça me plait, déjà je sens que je reprends du poil de la bête. J'attends le film de pied ferme.

Allez juste comme ça, de mémoire, évaluation des deux camps :
POUR : Bunta Kun / Alain Justice, Pierre
CONTRE : I.D., David T.
Chacun peut s'inscrire, j'actualiserai.

Allez, ça commence.

Encore un film qui s'ouvre par une scène en mode tchik-tchak : l'origine du mal, Ana qui erre dans la rue, cocard sur la gueule, sang sur le t-shirt. Tout est calme, le travelling est nickel chrome, le cinémascope accentue les mouvements. Elle retourne chez elle en courant, son mari est bien mort, c'est foutu. Rien n'est dit et c'est super classe mais on ne me la fait plus : les couleurs désaturées à mort et les silences insistants, ça déchire quand ça fait contre-point avec une action brulante, mais si le film bifurque sur la route d'une romance mélancolique, ça va vite me les briser menu.

7 ans plus tard. Elle sort de prison et jusqu'ici je suis plutôt pour. Je ne sais pas pourquoi je repense à My Dear Enemy que j'avais vu à la même occasion à la même époque, l'an dernier. On continue avec des mouvements de caméra sophistiqués et des images désaturées. Merde, les premiers dialogues en anglais, c'est pas top, fait chier.

J'ouvre une parenthèse, l'anglais et l'Asie ça ne passe pas, va savoir pourquoi. Passons sur les réals asiats incapables de diriger un acteur anglophone, ce soir je m'en prends aux acteurs asiats qui tentent de parler anglais, et donc à Late Autumn. Vous parlez mal anglais, soit, c'est pas grave, suffit de l'assumer. Mais là, on sent trop que vous avez pris un cours accéléré juste avant le tournage. Toutes les phrases sont super articulées, on joue sur le fait que vous ne soyez pas à l'aise avec la langue en vous faisant uniquement utiliser des mots simples mais par contre vous ne faites aucune faute de grammaire ! Du coup on a l'impression qu'un élève appliqué mais moyen, récite les lignes de dialogues. Personne ne parle comme ça. Bon allez, l'intro était stylée, un partout, la balle au centre, n'en parlons plus.

Y a quand même un style qui se développe en Corée, un cinéma minimaliste, qu'on pourrait qualifier de crevard, qui s'amuse à tout cacher pour rendre son contenu plus précieux. C'est sûrement une réaction naturelle face aux averses de violons et de miel de ce que l'on désigne comme les comédies coréennes (ou même asiatiques) classiques, pas franchement subtiles, mais qui au moins déréalisent leur histoire et qui sont tout sauf plates. Alors voilà, je le sens déjà, avec ses couleurs délavées, ses rares notes de musiques et son atmosphère étouffée. Late Autumn est de ceux là, des films qui la jouent subtile et juste, qui refusent tout excès, et dont je sors en me disant  « mouais, c'est sur c'est pas nul, mais bon, ça casse pas trois pattes à un canard ».

Parce que oui c'est pas nul, tout se passe en souterrain, y a une compréhension qui s'établit entre deux paumés sans aborder frontalement les choses, elle est triste, il veut la faire sourire, c'est universel, c'est sympa. Ok, mais on lit trop facilement entre les lignes, y a pas la moindre surprise, on est toujours en avance sur les personnages, parce qu'ils sont trop normaux et qu'on refuse de verser dans l'extraordinaire. Surtout pas d'excès, on dirait un film d'ascète.

Par contre la salle marche à fond les ballons. Le type (surnommé Hyène Pine par certains détracteurs) se coiffe devant le miroir et tout le monde se marre ! Ensuite, ce sera la même rengaine à chacune de ses cabotineries. Je dois avoir une corde sensible un peu plus épaisse, parce que de mon côté ça me laisse de marbre et là encore le pire c'est que je ne juge pas la scène mauvaise, au mieux sympathique, tout comme la petite musique légère qui accompagne les premiers pas de ce couple impossible.

Ca doit faire une bonne demi-heure que le film a commencé et je me fais cette remarque flippante : si le film avait été français, je crois que je l'aurais cloué au pilori et caillassé sans sommation. Mais là ça passe, la banalité du récit n'est soutenue que par la force de la situation de départ (lui est un gigolo pourchassé par un mari jaloux, elle a deux jours de permission pour assister à l'enterrement de sa mère avant de retourner en prison), mais ça marche quand même.

Remarque, si le film avait été français, elle aurait été une bourgeoise mal baisée partie se reposer à la campagne le temps d'un weekend, et lui un immigré arabe beau, jeune et sans papier.

« Anna Chen, it's a beautiful name ». Les gens se marrent, je dois être sacrément malade.

On leur sert un verre de champagne, nouvelle bidonnade dans la salle. Je prends direct un médoc.

Le ton est juste, mais les petites choses de la vie, exposées de la sorte, ça reste des petites choses.

Voilà la fameuse scène des auto-tamponneuses, je me souviens avoir surpris une conversation où l'on en parlait comme une scène magique. Aie, non, l'idée est sympa mais c'est niais, les gens sont fans, je ne vais vraiment pas me faire des potes cette année. Le pire c'est que la même scène dans une comédie acidulée classique serait passée tranquilou, là je n'y crois pas une seconde, plus qu'une goutte de lyrisme c'est un cheveu sur la soupe. Je ne parlerai même pas de la scène de danse qui s'ensuit.

Un film de surface, où tout est clair comme de l'eau de roche, et qui utilise sa situation de départ pour justifier son extrême retenue ou plutôt sa timidité.
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Ce type me fait penser à Jude Law dans A.I.

Il confond « hao » et « huai », les gens trouvent ça drôle.

J'aime bien cette volonté de n'avoir aucun rapport direct entre les personnages, si ce n'est les plus primaires « do you want me ? » (me as a body, même si elle n'y arrive pas). J'aime beaucoup moins les ruses scénaristiques qui permettent aux personnages de s'exprimer quand même clairement : les auto-tamponneuses, le dialogue en chinois ponctué de « hao » ou « huai ».

Banco, premier sourire prononcé de ma part : la baston dans le bar. Le dialogue précédent entre les deux mâles étaient aussi prévisible que mauvais, par contre « he used my fork » je ne l'ai pas senti venir. Inutile de préciser que la moitié de la salle est pliée en deux et que l'autre se tape le cul par terre.

Sac plastique, violence soudaine, sursaut. C'est frustrant ça, pourquoi se retenir quand on est capable de telles fulgurances.

Séparation / arrestation, joli usage du steadycam, montage très sympa, ça donne envie de foutre un scenario en peu plus frétillant entre les pattes du réalisateur pour voir ce que ça pourrait donner.

Apothéose finale : elle prend un café avec un gâteau au chocolat sur l'air d'autoroute où il avait promis de la retrouver. TOUT EN SUBTILITÉ.

Voilà c'est fini, et en bon normand, je ne suis ni pour ni contre et la guerre de Troie n'aura pas lieu. Simplement, ça ne correspond pas à mes envies de cinéma. C'est trop froid, trop désincarné, à mille lieux des fragiles mais jouissifs Alien Bikini et Code of a Duel, qui, bien plus bancals, sentent bon l'amour du cinéma et l'envie de faire des films. Là, c'est du cinéma de dentelle et ma corde sensible n'est pas assez fine pour vibrer au moindre chuchotement, surtout que je ne suis ni amoureux de l'actrice (très bien par ailleurs) et encore moins de l'acteur (pas si catastrophique que j'ai pu le lire). Le ton est peut-être juste, mais il n'y a rien d'extraordinaire, du coup je repense à Yoon Sung-hyun, à ses nouvelles envies de personnages extraordinaires et de montrer le réel à travers l'irréel, et je me dis que son prochain film risque de vraiment être de la boulette.

Sunny, de Kang Hyeong-cheol. Pour l'ouverture du FFCF 2011.

18h13. Pofpofpof. Sans Congo, après s’être passé une dernière fois le clip de Boney M, Sunny, sur Youtube, se dirige au pas de charge vers Saint-Michel. Arrivé devant le cinéma Saint-André-des-arts, manifestement trop tôt, Sans Congo salue Pascal Le Fur, collègue accrédité dont il avait plusieurs fois croisé la silhouette l’année précédente. Cette fois, Sans Congo est devenu un homme. Il faut dire que l’absence de Joy Means Sick, son fidèle acolyte, n’est pas étrangère à la discussion agréable qui s’engage avec Pascal Le Fur. Et puis paf, David Tredler, de l’Impossible blog ciné. Bon Dieu, salut David, Sans Congo, heureux de faire ta connaissance, comment vas-tu, nous avons enfin l’occasion de nous rencontrer, bon sang ! Tu ne m’en veux pas, j’ai oublié le Twix, sorry…

En revanche, j’ai un super haut de forme t’as vu ?

L’entrée du cinéma commence à se garnir, Sans Congo essaye de trouver un sens à sa vie. Il profite de sa position stratégique pour saluer furtivement Yoo Dong-suk et Pierre Ricadat, extrêmement affairés. Il est 19h38. Le film débutera en retard, what else. Le staff est tout frais tout beau avec son sweat-shirt FFCF bleu cyan. Sans Congo récupère son accréditation et ne demande pas celle de Joy Means Sick en espérant qu’elle se perdra et qu’il sera rayé de la liste. Ignorant la petitesse de son comportement, Sans Congo rejoint le compartiment des accrédités non invités, composé de quatre personnes, alors que la foule se divisait, comme l’année dernière, en deux queues distinctes, celles de la plèbe et celle des invités. Nicolas Gilli, de Filmosphère, grand seigneur, attend avec nous alors qu’il a une invitation. Cette nonchalance suscite en Sans Congo un mouvement de sympathie, et il se rappelle qu’au FFCF 2010, il avait, avec son comparse, tenu à faire la queue avec les déshérités avant qu’un membre du staff ne les invite à rejoindre leur dignité, celle des patriciens.La discussion s’engage, et Sans Congo apprend que Filmosphère est géré par Nicolas Gilli tout seul, alors qu’il était persuadé qu’il y avait une team derrière ce site. Maudissant la flemme qui le prend à chaque fois qu’il cherche à actualiser son blog, Sans Congo gratifie d’un « chapeau, monsieur » le dit Nicolas.

Bon ce n’est pas tout ça mais l’horloge tourne. Et j’en ai ma claque de parler de la moi à la troisième personne. La sauce commence à monter, je sens mes articulations qui vibrent. Les notes résonnent subrepticement au fond de la partie de mon cerveau qui stocke ce qui me reste de souvenirs de mon adolescence. Sunny, les années 80. Putain, j’aurais dû mettre mon plus beau survète Sergio Tacchini  en lycra vert et mauve. Nous entrons dans le cinéma. La salle est plus grande, Dong-suk et Pierre, co-présentateur, peaufinent leurs derniers flows avant de se lancer. Bonjour, merci d’être venus, ça va être génial. Je suis de plus en plus persuadé que Sunny est au top. David, comme Saint-Matthieu, attend de voir. Je dis à mon voisin Pascal de ne pas s’inquiéter : « t’inquiète mec ». Je pense au coming-out que je vais pouvoir écrire sur le blog.

Bon j’avoue, je portais ce tee-shirt sous ma chemise

Au passage, Monsieur l’Ambassadeur de la République de Corée a précisé, pour ceux qui ne squattent pas koreanfilm.org, que Sunny a franchi sans forcer la barre des 7 millions d’entrée (i.e. très gros succès). Quand on se rappelle que l’année dernière le film d’ouverture, The Man from Nowhere, tutoyait les mêmes anges, il n’est pas difficile de conclure que la porte d’entrée au FFCF doit être gardée par le plus reluisant des Mamelouks. Alors que son Excellence retournait à ses Ferrero rochers, Kang Hyeong-cheol himself, écharpe marron sur la nuque, est intervenu pour nous donner selon lui la clé de lecture de son film : « l’ironie de la vie, sept ménagères devenues jeunes filles, sept jeunes filles devenus ménagères ». Etant donné mon affection pour les chiasmes, j’acquiesçai profondément.

La lumière s’éteint, la réclame déboule, rançon du succès, et le film commence enfin, enfin, enfin, enfin, et enfin. Je me suis branché sous une tension émotive qui ne me laissera pas le choix de la mesure : soit je trouve le film génial, je passe une super semaine, et je sympathise, soit je trouve que c’est une daube profonde, je rends mon accréditation et je prends ma carte du FN. Je me souviens il y a quelques temps déjà, un soir où nous étions allongés avec ma tendre et douce à observer les irrégularités des couches de peinture blanche sur le plafond. Ma dulcinée, ne supportant peut-être plus le sérieux avec lequel j’exécutais ma fonction de contrôle, fendit le silence d’un tomahawk verbal en direction de mon état végétatif. Elle voulait me montrer quelques scènes de son drama d’alors, Boys over Flowers. Moi, reins solidement ancrés dans la haute idée que je me faisais de moi-même, susceptibilité à fleur de peau sulfurée, pas une ni deux, je passe ma main sous le lit pour tirer mon marteau du dimanche, enfile ma panoplie de damné dark beau gosse costume et chemise noirs, me dresse sur mon séant comme un gars qu’on a enfermé trop longtemps, pétard dans les cheveux, et boum coup de pression.

T’as cru que j’étais ton pote ou quoi ?

Si j’avais su, à cette époque là, que je finirais un jour par me morfondre en attendant de voir un film sudco qui raconte l’histoire d’un groupe de copine, baptisés Sunny tous les deux, sur fond de prosélytisme kpopien, vous pensez bien que je me serais moi-même fait l’honneur de mettre un terme à mon existence en m’éclatant la carotide avec un espadon congelé. C’est un peu comme si je vous disais que je milite dans une association pour le retour d’Hélène et les Garçons à la télévision (heu…). Ou que j’ai lu la biographie de Loana et que j’ai ab-so-lu-ment-a-do-ré (hum…). Chiottes mec.

Et pourtant, que voulez-vous, l'amour. Il n’y a que les idiots qui ne changent pas d’avis... Sunny raconte l’histoire d’un groupe de copine dans la Corée des années 80. Na-mi, une jeune fille issue de la campagne, se fait railler par ses nouvelles camarades de classe du Jindeok Girl’s High (qui ressemble aussi à un nom de groupe de K-pop) à cause de son accent provincial. Une portée de Spice Girls la prend sous son aile et l’intègre dans sa bande : Chun-hwa, la chef ; Jang-mi, la gourmande obsédée par ses sourcils ; Jin-hee, insulte sur pate sèche comme un fil d’étain ; Geum-ok, fan de littérature ; Bok-hee, would-be Miss de Corée ; et Suji, froide, belle et arrogante. Cet aspect Power Rangers le rend absolument sympathique. C’est LA bande d’ami idéal-typique, équilibrée, homothétique, substituable et interchangeable. Complètement dans le délire de Friend de Kwak Kyung-taek. Et si les hommes viennent de Mars, les filles viennent de Vénus… et de Mars. Friend offrait une scène de baston des plus mémorables, impliquant plusieurs lycées dans une cage d’escalier, et Sunny donne dans le crêpage de chignon volontaire et vicieux, le kick voltigé de pucelle et l’insulte gracile. Voir cette bande faire ses conneries, c’est un peu réciter un Te Deum à l’honneur des années qu’on rêve d’atteindre quand on y est pas encore, qu’on se plaît à consumer sans ménagement quand on a les deux pieds dedans, et qu’on méprise totalement après les avoir quittées : l’adolescence, roycutanés pour les vrais.

Ode à la jeunesse et à la dépense d’énergie en pure perte, il est difficile de ne pas voir Sunny sans se remémorer avec une force troublante ses années collège. Sunny, c’est un peu comme les agendas des meufs à l’ancienne, bourrés d’autocollants OK podium, de conciliabules entre copines, de « Big Luv Bébé » et « 18^e en Force ». Quand une fille écrivait sur ton cahier de texte Zelda pas badboy pour un sou, c’était un peu sa manière à elle de t’offrir son corps. Pêle-mêle, les poufferies, les premières batailles d’eau masculo-féminine et les insultes gratos, peut-être les véritables signes de la sexualité naissante. Quel ne fut pas mon agréable surprise de voir que la classe, indistinctement, pour charrier Na-mi alors que celle-ci se trouvait être la cible de la prof, répandit un universel « haaaaaaaaaaaan », cri passe-partout, à la fois coercitif et répulsif, à l’origine de plus d’une embrouille de merguez et objet de la hantise de chaque collégien normalement constitué qui veut se fondre dans la masse.

Sunny est construit sur le mode du flash-back. Na-mi, cette fois mère de famille, se donne pour mission de réunir son ancienne bande de copine. Chaque retrouvaille est donc l’occasion de raconter un bout de l’histoire de la bande de copine. Chacune a évolué, plus ou moins bien selon les espérances, et leur quotidien tranche singulièrement avec l’éducation de « jeune fille convenable » qui leur était dispensé au sein de leur lycée. Il ne faut pas se méprendre d’époque néanmoins : c’est bien la bande du lycée qui sert de fondement à tout le film, au point que Sunny pourrait très bien supporter une version béta qui n’intégrerait que l’histoire concernant les années 1980. Une espèce de condensé gaguesque et lollesque, bariolé, sapé comme on ne le fait plus. En parlant de sape, une chose est rassurante quand même par rapport au dialogue des civilisations : il semblerait que l’humanité tout entière a traversé les années 80 dans une espèce d’indécision stylistique, généreuse en tentatives, avare en succès, qui donne un cachet unique à cette époque de fin de guerre froide. La personne qui s’est occupée des costumes pour Sunny a fait un super boulot. On se sent complètement dans ces années de pré-modernité, à l’époque où tout était droit, les coupes, les angles, les sapes, etc.

Durant les années 1980, la Corée du sud a été prise à de nombreuses reprises d’un frisson libéral. Les références au contexte de l’époque sont d’ailleurs nombreuses, mais discrètes : une casquette de soldat, une discussion au diner, un plan sur la diffusion de l’hymne national dans la rue. D’ailleurs une des grosses scènes de baston du film (décidément, j’ai l’impression de toujours parler de baston sur ce blog), semble évoquer les manifestations qui ont eu lieu à Séoul en 1987. Pourtant, Mister Kang ne veut pas en tirer une espèce de métaphore politico-affectueuse à la noix. En effet, au sein de l’affrontement entre l’armée et les manifestants, c’est le combat de la bande Sunny contre la bande rivale qui occupe le centre de la scène, tout ça pour exprimer cette espèce de sensation qui fait l’un des éléments les plus caractéristiques de l’adolescence : le temps suspendu. Rien n’existe au-delà du cercle proche, et la politique, affaire des grands, est comme rendue floue par la focale du réalisateur.

Bref, Sunny est un souffle de vie brutal. Un vent, que dis-je un cyclone. C’est grand, c’est joyeux, c’est plein. Kang Chyeong-heol était déjà celui qui m’avait réconcilié avec la comédie sudco. Il faut dire que quand on ne connaît pas trop au départ, c’est un peu difficile de s’y mettre. Un peu potache et direct. Puis Speedy Scandal, la pureté : les situations authentiques traversent les frontières. Speedy Scandal, tout aussi gros succès que Sunny, s’appuie sur les mêmes ressorts que ce dernier : situations identifiables, quotidien banal, circonstances humoristiques, auxquels il faut ajouter, spécifiquement pour Sunny, le regard d’un mec qui se moque un peu des meufs (le « je suis désolé d’être jolie » qu’il fait dire à Suji constituant un must). D’ailleurs, sauf erreur de ma part, Kang Chyeong-heol fait une dédicace au maître d’œuvre de son premier film, Cha Tae-hyun, en utilisant son image comme effigie d’une pancarte faisant de la pub pour des assurances, dans un plan très court. Comme dans Speedy Scandal aussi, l’humour est très corporel : danse, baston, grands gestes, cachettes, comique de répétition, toutes ces techniques font la force du cinéma de la péninsule. La Corée du Sud produit un cinéma dont les personnages ont horreur du vide. Ils se donnent au vrai sens du terme. Et à force de voir gesticuler comme dans Sunny, ça finit par démanger. L’énergie du film est très communicative. Ajoutez à cela du Cindy Lauper ou du Boney M, et vous finissez sans vous en rendre compte en cours de fitness mental, ou impliquant au moins un mouvement régulier de la nuque. Mettez de la musique dans un film français, et vous vous retrouvez avec une bouse de Christophe Honoré.

Bon évidemment, il ne faut pas oublier qu’une comédie sud-coréenne est toujours trop longue de vingt-cinq minutes. Il existe une part incompressible de mélo (i.e. plans rotatifs autour d’un personnage dubitatif, violons, chialerie, etc.). Donc il ne faut pas s’en étonner, ni s’en morfondre, c’est dans le cahier des charges. Perso, je suis devenu insensible à ce buffer.

Sinon Sunny confirme que Kang Chyeong-heol est un réalisateur technophile solidement ancré dans son époque. Comme Speedy Scandal, Sunny débute par une séquence montrant un appartement über-moderne. Speedy Scandal se déroulait dans un monde de l’hyper-connexion, tandis que Sunny présente un monde impatient qui aspire à la connectivité. La technologie radiophonique est mise à l’honneur dans les deux films (Cha Tae-hyung est animateur de radio dans Speedy Scandal, les filles de Sunny utilisent essentiellement cet outil). En fait, c’est comme s’il y avait dans ces films une espèce de fluide qui se transmet au travers des différents médias et qui se communique aux personnages en leur insufflant leur énergie. A cet égard, la séquence de Sunny où les filles, se parlant au téléphone fixe, décrivent les technologies du futur est édifiante. Kang est un mec résolument ancré dans le XXI^e siècle : communication, transparence, participation. Un véritable cinéaste 2.0. Au passage, juste comme ça, merci de nous avoir tapé la honte face aux représentants d’un pays qui doit avoir une dizaine d’année d’avance en matière d’électronique. Le coup du micro hanté qui quadruple la voix, alors que les plans de rigueurs s’enchaînent, n’est peut-être pas le meilleur signal à envoyer en direction de l’Asie de la part de la France. Mais bon j’imagine que les organisateurs du FFCF ont d’autres chats à fouetter. Hein.

Voilà, en fait, tout ce long texte pour avouer que j’adore la K-pop en fait, et que je crois que c’est Kang Chyeong-heol qui me l’a faite aimée, involontairement, de manière incidente. J’aime la K-pop j’avoue. Mais je l’aime comme Kang aime retranscrire malicieusement (ou en mode gros foutage de gueule, solution sur laquelle j’aurais spontanément tendance à pencher) la réconciliation qu’il imagine entre deux belles filles : « je suis désolé d’être jolie ». Bref, Sunny m’a donné envie d’ouvrir une section K-pop sur le blog. Voilà c’est dit. Jusqu’ici tout va bien au FFCF.  

Par contre, pourquoi Sophie Marceau mec ?

BONUS

Je n'ai pas pu m'empêcher de penser, pendant tout le film, au clip des T-ARA, Rolly Polly, dont le ressemblance avec Sunny m'a paru assez significative...

The Power of Kangwon Province, Hong Sang-soo.

Le film sur youtube

Round 1

Yann Kerloc’h nous avait prévenus : « formellement, c’est inouï et d’une rare exigence, mais pas facile d’accès ». C’est vrai. Tellement pas facile qu’on n’a pas trouvé la porte d’entrée, si tant est qu’il y en ait une. A l’heure de faire les comptes, perso, je retiens les plus beaux kicks distribués par ma prof de maths de cinquième : « on ne peut pas diviser par zéro, trou du cul ! ». Je souhaite aujourd’hui tirer ma révérence à cette femme d’une grande sagesse. HSS a manipulé le vide : le résultat est atroce.

The Power of Kangwon Province est une coquille vide, transparente, de dimension nulle. Il n’y a strictement rien. Ou plutôt deux fois rien dans la mesure où le film d’H(S)S est composé de deux parties. Dans la première, trois jeunes femmes se retrouvent en week-end à Kangwon. Il s’agit de décompresser, surtout pour Ji Sook, cheftaine de la bande – la préférée d’H(S)S en tous cas – qui sort d’une relation foireuse avec un homme marié et qui s’arroge le monopole du style au détriment de ses vassales. Les trois laideronnes se font accoster par un policier sans pistolet – fantasme de l’uniforme ? annihilation du principe phallique ?  yin ? yang ? – qui leur propose de passer la nuit chez lui. A défaut d’organiser une partouze, H(S)S propose une soirée flinguée, avec une discussion toute naze – t’es vraiment un cliché meuf ! – quoi moi un cliché ?! – heu, ça veut dire quoi un cliché ? – tandis que le policier tombe dans le piège de la « fausse mystérieuse », a.k.a Ji Sook, ou la meuf un peu moins moche que ses copines qui parle un peu moins et lance deux phrases creuses comme des dents de cafards pour orienter sa valeur à la hausse. Le mec commence à rôtir sous son caleçon sauf que la poulette ne trouve rien de mieux que … dégueuler. Comme fréquemment, le cinéma sudco nous donne à avoir des demoiselles qui ont la main lourde et le soju léger. Quelques jours après ce premier échec, Ji Sook retourne chez le policier. La disposition donne un peu l’impression de « première fois » : journée d’amoureux rondement planifiée type « on-ne-rate-aucune-attraction-au-parc-astérix », discussions niaises durant lesquelles sont subtilement lourdement dévoilés des secrets de part et d’autre  – des secrets qui mettent en valeur of course – et fin de soirée à l’hôtel Ibis – du moins c’est ce que l’on peut déduire de l’autoroute imperturbable qui s’impose à la fenêtre. Sauf que, sauf que la soirée tombe à l’eau et ne s’achève pas sur les étreintes endiablées du « n’golo n’golo ».

La deuxième partie du film, c’est deux potes, la trentaine, qui se retrouvent également à Kangwon. L’un des deux, Sang kwon, est l’ex de Ji Sook. Il est lui de même à la recherche de sensations fortes. Il paye une prostituée pour oublier sa misère. Il fait aussi deux ou trois trucs en plus – ne me demandez pas lesquels, je devais être en train de roupiller. Un élément intéressant peut-être : le dernier plan du film le montre lui en train de fixer des poissons rouges. L’histoire de sa vie, three-second-memory boy.

Je ne suis pas un poisson rouge, mais nul doute que ce film ne logera pas au fond de ma mémoire plus de trois secondes. Je suis d’ailleurs en train de l’oublier à mesure que j’écris ce texte. Inutile d’aller plus loin dans la reconstitution de l’intrigue. Grosso modo, il semble que nous nous trouvions en face d’un crime. H(S)S, vacciné puis inculpé, a été pris en flagrant délit de « cinéma français ». Histoire sans intérêt, monotonie incontrôlée, banalités des plans : c’est vraiment incroyablement vide. J’ai rarement senti cette angoisse kierkegaardienne au bord d’un précipice sans fond. Il n’y aurait guère que M. Feldspath (Une femme coréenne), ou Yann Kerloc’h (parce qu’il a les clés), pour trouver de l’être dans du néant.

Une remarque concernant l’habillage : The Power of Kangwon Province n’est filmé qu’en plan fixe. Sommité du summum de l’archi-naze que de chercher à acquérir sa légitimité à partir d’un style clinique, neutre, et épuré. Le plan fixe n’a de sens que par le contenu. Et si le contenu sonne comme une niaiserie et arrache les pupilles, le plan fixe n’est qu’une insulte de plus à la longue liste garnissant le procès-verbal. Le pire c’est que ça donne encore moins envie de prendre le film au sérieux. Même Eric Rohmer fait des efforts pour bouger sa caméra, alors franchement H(S)S n’a aucune excuse ; hé oui, n’est pas Haneke qui veut.

Round 2

Du coup, regardons d’un peu plus près les ingrédients utilisés par HSS pour nous concocter son film.

Des plans fixes, uniquement des plans fixes. En soi, pas une mauvaise idée, pas super originale non plus. Au début de sa carrière de réalisateur, Kitano avait pris la même option, avec une explication intéressante : nouveau au cinéma, il refusait d’employer les mouvements de caméra sans les comprendre. Coppola l’a fait aussi, en « fin de carrière » cette fois, pour L’Homme Sans Âge, mais bon, comparer HSS à Coppola c’est vrai que ce n’est pas fair-play. Quoiqu’il en soit, les deux larrons précédemment cités se démarquent par un sens du cadre méchamment prononcé et rigueur extrême, bref un truc qui dépasse le spectateur. Chez HSS, on est jamais dépassé, on sent que la composition est pensée, ou plutôt on le voit et dans les moindre détails. Pensée peut-être, mais pas travaillée. Elle est insignifiante et son seul intérêt de faciliter la digestion de longs plans bavards. Parfois, c’est aussi clairement un choix économique et frileux : ça coûte moins cher et ça prend moins de temps. On sait que HSS n’a pas vraiment de succès en Corée et qu’il n’a pas de moyens, on sait aussi qu’avec trois francs six sous d’autres ont pondu Permanent Vacation, Made In Hong-Kong ou même Sexe Mensonge et Vidéo. Les références sont trop dures ? C’est bien la preuve que l’on a mis Hong Sang-soo dans la mauvaise division.

Très peu de raccords, voire pas de raccords du tout. En plus d’êtres fixes, les plans d’HSS constituent une unité : dans 75% des cas (à plus ou moins 10% près vu que j’ai parfois roupillé) l’équation « un plan = une scène » est respectée. On ne va pas s’acharner sur le côté cheap du film mais quand on peut entendre un changement de plans à l’oreille par manque de lissage sonore, on commence à se demander si ce n’est pas un film de vacances monté vite fait sur movie maker. En plus, ce faisant, HSS s’interdit tout montage, donc toute variations de rythme autre que celle imposée par l’enchainement des scènes. Impossible aussi d’utiliser d’autres prises sous d’autres angles où les acteurs joueraient mieux à la fin qu’au début ou inversement.

Des décors et une lumière naturels et pas franchement jolis, HSS n’est pas porté sur l’esthétique mais passe encore, personne que le cinéma devait être beau. Personne n’a dit que le cinéma ne devait être quoique ce soit d’ailleurs. Quoi d’autres ? Ah oui, des dialogues, et quels dialogues ! C’est sûr, ce n’est pas trop mal écrit ni même super mal joué, en même temps on ne peut pas dire qu’HSS se soit foulé. C’est facile de dire que l’on veut coller au réel, dépeindre les gens tels qu’ils sont vraiment, montrer la banalité au cinéma. C’est beaucoup plus difficile d’en faire quelque chose de regardable, d’intéressant, bref quelque chose qui ne soit pas The Power of Kangwon Province.

Au niveau du contenu, c’est vide et le mot « fond » prend un autre sens : c'est un fond que l'on distingue nettement à travers des dialogues vides et creux. Criez et il y aura de l’écho, sûrement la recette du succès d’HSS. Ce type a toujours les mêmes obsessions : les milieux pseudo intello, les errances sexuelles, des filles bavardes et faciles… le tout filmé comme un documentaire chiant. Ce n’est ni drôle, ni pathétique, ni érotique. Les personnages boivent pour oublier leur misère, Hong Sang-soo fait des plans et des films pour combler le vide, pour meubler comme d'autres bavardent à la terrasse des cafés en citant télérama.

HSS c’est le terrain de jeu rêvé du cinéphile bas de gamme, celui qui aime bien plus parler des films que de les regarder et qui affectionne particulièrement les œuvres les plus chiantes. C’est difficile de faire son intéressant en parlant de Citizen Kane, sur The Power of Kangwon on peut dire à peu près tout ce que l’on veut. Yann K se trompe quand il dit quand il dit que ce n’est pas très accessible, c’est grand ouvert et on peut y mettre ce que l’on veut pour la simple raison que c’est vide.

Après La Femme et l’Avenir de l’Homme, ce film est donc le 2^ème avertissement pour HSS, j’ai beau avoir apprécié Conte de Cinéma il sera suspendu au prochain match.

BONUS

Groland - la pétasse